Artes escénicas :: participantes ::
Ecos
Compañía de danza de la Universidad de Cuenca
Dirección artística: Carolina Napoleoni
Coreografía: Sebastián Brown (Chile)
Intérpretes: Compañía de Danza de la Universidad de Cuenca: Ana Medina, Nicole Rodríguez, Carolina Napoleoni, Carlos Delgado, Jhon Suárez, David Arias.
Música: W.A. Mozart, Claude Debussy, Frédéric Chopin, A. Vivaldi.
Diseño de iluminación: Jorge Gutiérrez
Equipo técnico /apoyo audiovisual: Marcelo Villacís, Marcela Orellana, Galo Mosquera.
Escenografía y vestuario: Cultura Universidad de Cuenca
ECOS es una obra de danza contemporánea interpretada por seis bailarines que exploran la libertad individual y colectiva frente a los roles sociales que moldean nuestros cuerpos e identidades. Son cuerpos sensibles y fugaces en constante metamorfosis.
A través de la relación entre cuerpo y sonido, la obra reflexiona sobre la adaptación, la pertenencia y la posibilidad de desafiar los cánones impuestos.
La investigación escénica se centra en cómo el sonido activa sensaciones y movimientos, invitando al espectador a cuestionar su propia noción de libertad
Coreografía: Sebastián Brown, intérprete y coreógrafo chileno con formación en Chile, Nueva York y Los Ángeles, y experiencia en diversas compañías internacionales.
Dirección: Carolina Napoleoni, intérprete y directora artística, formada en Chile y Cuba, con amplia trayectoria en danza, enseñanza y preparación corporal.
La Anacoreta
Chalata Clown
Dirección: Sofía Zapata
Asistencia de dirección: Kike Mediavilla y Fernando Acosta
Actuación: Sofía Zapata (Clavija Posponia)
Escenografía: David Proaño
Vestuario: Compañía Chalata Clown
Producción: Compañía Chalata Clown
La Anacoreta es una obra de clown escénico. Presenta a Clavija Posponia, una vagabunda del tiempo que camina cargada de innumerables maletas. Su cuerpo pesado emprende una búsqueda absurda, poética e hilarante de ligereza, fragmentando recuerdos y pedazos de vida mientras se pregunta si podrá, finalmente, disfrazarse de aire.
Creada e interpretada por Sofía Zapata (Sozapato), actriz, clown, directora y dramaturga ecuatoriana con más de 17 años de trayectoria, reconocida por su trabajo en el clown escénico y su universo visual metafórico. Es nominada al Astrid Lindgren Memorial Award y creadora de la obra La anacoreta, ganadora del Premio Malagana en el Festival de Teatro de las Américas (Cali, 2024).
Chalata Clown cuenta con más de 14 años de experiencia y ha representado al Ecuador en festivales de América Latina y Europa, participando en coproducciones internacionales como Meet me at the clown, ganadora de Iberescena 2023.
Cuando llegue Rosa
Teatro de las Entrañas
Dramaturgia y dirección: Carlos Gallegos
Puesta en escena: Carlos Gallegos, René Zavala
Actuación: René Zavala
Dirección actoral: Gonzalo Gonzalo
Música original: Miguel Sevilla
Vestuario: Virginia Cordero
Diseño de iluminación: Juan Álvarez
Producción: Teatro de las Entrañas
Augusto celebra su título universitario en un restaurante donde se enamora de Rosa, una mesera apasionada por el fútbol. Tras alcanzar la cima del amor, la rutina fractura el matrimonio y Rosa toma una decisión definitiva. Aferrado a la memoria, Augusto intenta reconquistarla convencido de que todo volverá a ser como antes.
Escrita y dirigida por Carlos Gallegos, creador con amplia trayectoria en teatro físico y gestual. Interpretada por René Zabala, de Teatro de las Entrañas, compañía que explora la emoción y la memoria colectiva desde una poética corporal, visual y profundamente íntima.
El Pollo entre Cuchillos y Fronteras
Colectivo Juana Estrella
Autora y dramaturga: Juana Estrella, con aportes de Pepe García Cors
Actuación: Carolina López Puyol
Producción: Juana Estrella
Asistencia de dirección: Hilda Valdez
Iluminación: Juan Álvarez Brito
Utilería: Antonia Aguirre, Gato Rojo Títeres
Diseño escenográfico: Juana Estrella
Efecto Radiofónico: Fernando Pesántez
Fotografía: Omar Hidalgo, Mateo Game
Coreografía: Synnove Urgilez Maldonado
Monólogo de tono absurdamente real que, desde una puesta íntima y flexible, explora las fronteras visibles e invisibles que atraviesan la memoria y el cuerpo. En el contexto de un mercado, un pollo se convierte en detonante poético para reflexionar sobre la fragilidad, la resistencia y el movimiento en un mundo en crisis.
La obra es interpretada por Carolina López y dirigida por Juana Estrella, actriz, directora y dramaturga con más de 37 años de trayectoria en la escena ecuatoriana. Forma parte del trabajo del Colectivo JUANA ESTRELLA (Cuenca, Ecuador), una plataforma de creación escénica comprometida con temáticas sociales, de memoria y de género, con propuestas adaptables a espacios no convencionales.
La deliciosa historia del Xocolate
Círculo Artes Escénicas
Dirección artística: José Araya(Chile)
Intérprete, Creador, Producción: Matías Belmar
Asistente de producción: Maribel Calderón
Dramaturgista: Karen Carreño
Diseño y confección de vestuario y utilería: Sara Constante
Intérpretes reemplazo: Francisco Arias / Leo Santillán
Intérprete – Músico: Fidel Minda
Asesoría Creativa Tela: Camila Naranjo
Investigación, Producción Ejecutiva, Intérprete, Creadora: Tanya Sánchez
Diseño y Confección de utilería: Sofía Santarone
Asesoría Creativa Pole: Karina Vásconez
Diseño y construcción de estructura: Cristopher Villavicencio.
La deliciosa historia del Xocolate es un espectáculo de teatro, circo y música en vivo que, mediante acrobacias, equilibrios, malabarismo y aéreos, narra el viaje del cacao desde la Amazonía ecuatorial hace más de 5.000 años hasta su impacto en la historia y la cultura mundial. La obra visibiliza recientes hallazgos que reconocen a las culturas amazónicas precolombinas como las primeras domesticadoras del cacao, integrando un recorrido escénico y musical con marimba, percusiones, acordeón y guitarra.
Círculo Artes Escénicas, dirigido por Tanya Sánchez y Matías Belamar, desarrolla desde 2004 proyectos escénicos y pedagógicos en Latinoamérica y Europa, y en Ecuador ha recorrido 20 de las 23 provincias, con un enfoque interdisciplinar y un compromiso sostenido con la movilidad artística, los derechos culturales y el arte como herramienta de transformación social.
Cantos y sorullos - memorias del arrullo
Sueño Yumbo Títeres
Dirección artística: Edgar Moreno Rojas
Dramaturgia original: Patrick Valembois
Intérpretes: Fidel Minda, Johana Jara, Melissa Mourelle
Músicos en vivo: Jhon Blandón
Diseño de escenografía: Esteban Ruiz
Construcción de escenografía: Esteban Ruiz, Zoila Piñeiros
Diseño de vestuario: Edgar Moreno, Esteban Ruiz, Angélica Espíndola
Confección de vestuario: Gio Valdivieso Latorre
Diseño sonoro: Carlos y Mario Martínez
Música de la obra: Rescate Cultural
Acompañamiento vocal: Melissa Mourelle
Producción ejecutiva: Esteban Ruiz, Gio Valdivieso Latorre (SENDERA)
Producción audiovisual y fotografía: David Guzmán Figueroa / Desdelpupo Taller Visual
Ilustración y afiche: Angie Vanessita
Diseño gráfico: Sergio Silva
Comunicación: Valeria Cevallos
Un espectáculo de títeres y música en vivo que sigue a Hilda, una anciana que habita la soledad y canta para no olvidar. Sus arrullos despiertan memorias del territorio: un duende castigado por la selva, un niño pescador frente a un tiburón embrujao, una cantaora silenciada. Entre cantos y recuerdos, Hilda busca su propia voz para mantener viva la memoria de su pueblo.
La obra forma parte de Sueño Yumbo – Títeres y Patrimonio, proyecto ecuatoriano creado en 2016 que investiga y crea espectáculos a partir del patrimonio cultural vivo. Con más de 78 funciones, su trabajo concibe al títere como un vehículo ritual y poético para narrar la memoria, lo mágico y lo emotivo de las culturas vivas. Dirige Edgar Hernán Moreno Rojas (Colombia), artista escénico con amplia trayectoria.
La torera
Valentina Pacheco
Dramaturgia y dirección: Viviana Cordero
Actuación: Valentina Pacheco
Técnico de luces: Germán Calvache
Producción: Michelle Echeverría
Fotografía: Lorena Cordero
Vestuario: Pepe Rosales
La Torera es un monólogo que reconstruye la vida de Anita Bermeo, personaje mítico y entrañable de la memoria popular quiteña. A través de diez personajes, la obra recorre el Quito de las décadas de los 50, 60, 70 y 80, revelando el universo poético, lúdico y marginal de una mujer que hizo de la ciudad su territorio simbólico, entre la vigilancia, el juego y la resistencia cotidiana.
La puesta en escena propone un homenaje a las memorias urbanas que habitan las calles y la identidad de Quito, evocando una figura profundamente arraigada en el imaginario colectivo.
Valentina Pacheco, actriz y creadora con más de 35 años de trayectoria en el teatro ecuatoriano e internacional, reconocida por su trabajo corporal y la construcción de personajes desde una profunda intuición escénica.
El sol seguirá subiendo, la sombra se irá corriendo, poco después volverá la tarde
El Pez Dorado
Coreografía y Dirección: Jorge Alcolea
Creadores / Intérpretes: Cristina Baquerizo, Juliana Zúñiga
Música: Mateo Kingman
Escenografía / Utilería: Jorge Alcolea
Diseño de Vestuario: Juliana Zúñiga
Producción: El Pez Dorado
Una pieza íntima que dialoga con la luz, el tiempo y la presencia del otro. Dos intérpretes transforman un espacio mínimo en un paisaje cambiante, explorando la permanencia y la fugacidad a través del gesto, los objetos a pequeña escala, la música y la tecnología cotidiana. La luz, manipulada en escena por las propias intérpretes, amplifica la fragilidad del cuerpo y celebra la experiencia compartida con el público.
Jorge Alcolea, director de la obra, es licenciado en Danza por la Universidad de las Artes del Ecuador y egresado de la Escuela Nacional de Artes de La Habana. Actor, músico y director artístico, ha desarrollado proyectos en México, Ecuador, Italia, Polonia y Chile, y es fundador del grupo El Pez Dorado.
El Pez Dorado es una compañía de danza independiente fundada en Quito en 2014, enfocada en propuestas intimistas donde el cuerpo, el espacio y los objetos generan reflexión y contemplación, expandiendo recientemente su búsqueda hacia el ámbito audiovisual.
Sachawasi
Compañía Rosaval Gaspard
Idea Original e Interpretación: Milena Rodríguez (Costa Rica-Ecuador)
Dirección: Roberto White (Argentina)
Diseño escénico: Mirta Castro (Costa Rica)
Compositor de la canción: Camilo Carvajal (Colombia)
Cantante: María Adelaida Mejía (Colombia)
Diseño Sonoro: Pablo Molina (Ecuador)
Diseño de Luces: Fernando Cruz (Ecuador) Pipo Chávez (Costa Rica)
Comunicación: El Nodo Productora Cultural
Una niña que no puede dormir busca una palabra, un recuerdo. En su habitación, llena de objetos heredados de su abuela, la memoria se activa y abre paso a un viaje onírico por paisajes lejanos. Al dormirse, la abuela la guía hacia el mar de los recuerdos, donde emergen historias de pescadores y vínculos profundos con la naturaleza.
Dirigida por Roberto White, la obra forma parte del trabajo de la Compañía Rosaval Gaspard, fundada en 2009 y dirigida por Milena Rodríguez, una agrupación que desarrolla proyectos escénicos y pedagógicos en distintos países de América Latina, apostando por la creación colectiva y una identidad latinoamericana compartida.
El Amor Desenterrado
Pablo Cornejo
Dirección: Pablo Cornejo
Elenco: Ágata Zinescoba, Nayla Peña Herrera, Andes Barzola, Natalia Breilh, Sebastián Días
Técnico: Edi Días
Vestuario: José Rosales
Escenografía: Pablo Cornejo
El Amor Desenterrado es una danza trágica del coreógrafo ecuatoriano Pablo Cornejo, inspirada en el hallazgo arqueológico de los amantes de Sumpa y en la poesía de Jorge Enrique Adoum. Interpretada por seis bailarines, la obra construye una experiencia de gran intensidad física y emocional, donde el cuerpo se convierte en memoria, rito y permanencia del amor más allá del tiempo.
Pablo Cornejo ha desarrollado una destacada trayectoria como coreógrafo, creando obras para la Compañía Nacional de Danza del Ecuador y el Ballet de Cámara de Quito. Fundó su propio grupo en Seattle, donde presentó su trabajo en diversos teatros del estado de Washington, y ha desarrollado procesos creativos y presentaciones en Cuba y México.
Medea llama por cobrar
Zero no Zero Teatro
Dramaturgo: Peky Andino
Directora y actriz: María Beatriz Vergara
Inspirada en la tragedia de Eurípides y en la crisis migratoria ecuatoriana, la obra reescribe el mito de Medea desde el páramo andino y el éxodo de finales del siglo XX. Dos tragedias se cruzan: la Medea clásica y una mujer ecuatoriana llevada al desarraigo, la violencia y la pérdida en un país extranjero.
A través de una llamada telefónica metafórica a “Jasón”, esta Medea reconstruye su viaje desde Guayaquil hasta Nueva York, usando la palabra como un acto de confrontación política y poética frente al poder y el abandono.
Texto de Peky Andino Moscoso. uno de los dramaturgos ecuatorianos más relevantes de la escena contemporánea.
Interpretada y dirigida por María Beatriz Vergara, actriz y creadora con una amplia y reconocida trayectoria en el teatro ecuatoriano.
Una producción de Zero no Zero Teatro, colectivo fundado en 1997 con una sólida trayectoria en creación y formación escénica.
El Pan de las Diez
Colectivo Norte
Actriz/bailarina y técnica de luces: Tatiana Muñoz
Actor/bailarín y técnico de sonido: Andy Cambisaca
Actor/bailarín: Steven Rivera
Actor/bailarín: Jonathan Pineda
El Pan de las 10 es una propuesta escénica de danza-teatro que articula luz, objeto, sonoridad y cuerpo para construir una experiencia sensorial de fuerte contenido social. La obra aborda el mundo laboral de los trabajadores de mano de obra pesada, exponiendo el drama de tres obreros sometidos a una autoridad injusta.
Basada en una investigación de campo, la puesta en escena revela miedos, conflictos y tensiones que desgastan física y espiritualmente a estos cuerpos atrapados entre el poder y la necesidad, planteando una pregunta central: ¿cuál es el límite de la opresión?
La obra es creada por Colectivo Norte, agrupación fundada en 2021 que integra danza, teatro y circo, y desarrolla procesos de creación colectiva con una mirada social y crítica sobre las estructuras de poder contemporáneas.
Diente de leche
Titerefué
Dirección, dramaturgia y puesta en escena: Yolanda Navas.
Titiriteras: María Estrella, Yolanda Navas
Asistente técnico: Wilson Sandoval
Diseño y construcción de escenografía: Julio Guevara
Utilería: Julio Guevara y Taller Titerefué
Diente de Leche es una obra de teatro de títeres que reimagina el universo del Ratón Pérez como una aventura poética y nocturna. En el barrio San Goloteo, un misterioso artefacto surca el cielo para recolectar los dientes de leche que se transformarán en estrellas. La obra combina humor, fantasía y ternura, invitando a niñas, niños y familias a celebrar la imaginación y la solidaridad.
La propuesta es creada por Yolanda Navas, dramaturga, titiritera y gestora cultural con más de cuatro décadas de trayectoria. Fundadora del grupo Titiritainas y de la Fundación Titerefué, ha desarrollado su trabajo artístico entre Ecuador y Europa, participando en numerosos festivales internacionales y dirigiendo más de veinte espectáculos de teatro y títeres.
La Fundación Titerefué, con sede en el Teatro del Gallo en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, es un referente del teatro de títeres en Quito. Desde 2001 organiza de manera ininterrumpida el Festival Internacional de Títeres con Bombos y Platillos, promoviendo el acceso democrático, descentralizado y de calidad a las artes escénicas para públicos diversos.
Strombolina...que buen viaje
Teatro Tecla
Dirección: Mayra Sarmiento y Nando Romero
Actuación: Daniela Contreras, Daniel Montalván y Mayra Sarmiento
Técnico: Jorge Yacelga
Diseño de Iluminación: Juan Álvarez
Dramaturgia: Paúl Romero y Teatro Tecla
Vestuario y Escenografía: Mayra Sarmiento
Strombolina cuenta la historia de una niña aventurera que sueña con recorrer el mundo. En su camino conoce a Waldo, el dueño de un circo, y se sumerge en una travesía llena de enredos, juegos y aprendizajes. A través del clown, el humor y la ternura, la obra invita a reconocer los errores, valorar los afectos y celebrar el amor incondicional, especialmente el de Mamá Pasita. Strombolina es un personaje clown divertido, sensible y cercano, que conecta con públicos de todas las edades desde la risa y la emoción.
La obra es dirigida por Mayra Sarmiento, licenciada en Arte Teatral por la UDA, directora, actriz y gestora cultural con una amplia trayectoria en la creación escénica y en proyectos comunitarios. Forma parte del grupo Teatro TECLA, colectivo ecuatoriano fundado en 2009, reconocido por su trabajo sostenido en obras de contenido social, lenguajes accesibles y una fuerte vinculación con la comunidad.
Hasta pronto, un viaje de retorno
Teatro de los Silfos
Dirección y Dramaturgia: Silvia Brito.
Asistencia de Dirección: María Fernanda Auz.
Elenco: María Fernanda Auz, Eugenia Villagómez, Silvia Brito, Roberto Ramírez.
Técnica de luces y sonido: Marián Morillo
Música: Mario Godoy Aguirre
Utilería y escenografía: Francisco Dueñas
Vestuarios: Zoila Piñeiros, Teresa Cacuango, Lucia Maiga
Comunicación y registro audiovisual: Adrián Aguilar
Hasta pronto, un viaje de retorno es un recorrido poético por la memoria y la despedida. Juan, anciano de Chimborazo, agoniza acompañado por sus hijas mientras tres seres místicos de la ritualidad andina —el Sacha, el Diablo y el Curiquingue— lo guían a través de los recuerdos que marcaron su vida. Desde su infancia en la Hacienda de Galte y el levantamiento indígena que presenció, hasta su migración a Riobamba y su vínculo con las danzas de los Curiquingues, la obra entrelaza historia, fiesta y espiritualidad andina en una noche mágica de diciembre, donde la danza acompaña su último aliento.
Dirigida por Silvia Brito, la puesta en escena combina teatro, máscaras, clown y elementos rituales, construyendo un lenguaje sensible que dialoga con la memoria colectiva y celebra el retorno a las raíces como un acto de despedida y trascendencia.
Mujer de piedra
Ukumbi Teatro
Dirección: Carlos Quito
Dramaturgia y actuación: Noemí Laines
Técnica sonido: Dabata Oña
Fotografía y video: Cynthia Guaña
Diseño y elaboración de vestuario: Noemí Laines
Música original: Darcila Aguirre
Mujer de piedra cuenta la historia de Doña Luz María, una vendedora ambulante acusada de intento de asesinato tras un enfrentamiento con la policía municipal. Desde su caso, la obra aborda la migración del campo a la ciudad y las duras condiciones que enfrentan las mujeres campesinas en busca de un mejor futuro para sus familias, una realidad que se repite en Quito, Latinoamérica y el mundo.
La propuesta nace de una investigación in situ sobre vendedoras ambulantes y, a través del teatro gestual, el estatismo y la narración oral, denuncia la discriminación, la desigualdad y los conflictos por el espacio público. Dirigida por Carlos Quito, con formación en la Universidad San Francisco de Quito y en México, es una creación de Ukumbi Teatro, colectivo fundado en 2013 que investiga las raíces culturales y las problemáticas sociales desde un trabajo cercano con las comunidades.
En la cancha
Danza en la Calle
Dirección: Sandra Gómez Navas.
Bailarines-creadores: Heidy García/o Stefanny Barragán, Andy Cambisaca, Steven Rivera y Sandra Gómez Navas.
Composición sonora: Roberto Moscoso
Vestuario, objetos: Danza en la Calle
Producción: Danza en la Calle 2025
En la cancha es una obra que invita a redescubrir los parques y espacios públicos a través del cuerpo, la danza y la memoria. La propuesta sitúa a los bailarines en una cancha señalizada con cintas en el suelo, creando un dispositivo escénico que dialoga con la comunidad, los espectadores y el entorno. La obra explora la conexión entre infancia, ciudad y ruralidad, activando recuerdos y sonoridades del pasado en el presente.
Estrenada en la Universidad de las Artes, Guayaquil (febrero 2025) y presentada en el Parque de la Madre, Cuenca (abril 2025), también ha sido parte del programa de difusión de la carrera de Artes Escénicas de la Universidad de Cuenca en varios colegios. La obra convoca al público a participar, convirtiendo la ciudad en un escenario vivo de disfrute y encuentro.
Luna de miel..lotra de sal
Teatro del Cielo
Ejecución escénica: Yanet Gómez Gómez y Martín Peña Vázquez
Dirección y dramaturgia escénica: Martín Peña Vázquez
Luna de Miel… Lotra de Sal es una obra de teatro físico y mimo corporal dramático de la compañía ecuatoriana Teatro del Cielo, creada por Martín Peña y Yanet Gómez. A través del movimiento, el gesto y el simbolismo —más que de la palabra— retrata la relación de pareja de Lola y Berni, desde el encuentro amoroso hasta la rutina y el conflicto.
Con humor y dramatismo, la obra explora las emociones, tensiones y contradicciones de la vida matrimonial, utilizando el cuerpo como principal lenguaje escénico. Basada en el Mimo Corporal Dramático, se apoya en una precisa construcción física y en elementos simbólicos como sombreros, maletas y música, que representan las cargas emocionales del vínculo. La obra ha sido presentada en escenarios internacionales.
Ecuador, el país de la canela
Ballet Andino Humanizarte
Coreografía / dirección: Maestro Nelson Díaz
Intérpretes: de 15 a 20 bilarines.
Música: Variaciones de musica ecuatoriana.
Diseño de iluminación: Edison Díaz
Diseño de vestuario: Vestuario autóctono de
direfentes partes del país.
Producción: Maestro Nelson Díaz
Grupo: Ballet Andino Humanizarte
Duración: 45 minutos a 1 hora
Creada entre 1994 y 1995, esta obra celebra la diversidad cultural y la riqueza ancestral del Ecuador a través de un recorrido por sus tres regiones principales: costa, sierra y amazonía.
Organizada en tres partes, combina danza, música, símbolos, personajes y cantos tradicionales para mostrar la identidad nacional y la herencia de los pueblos y nacionalidades andinas, proyectando su espiritualidad, cosmovisión, tradición oral, ritualidad, y sus formas expresivas y artísticas.
Esta obra definida como danza etnocontemporánea, se ha presentado en distintos escenarios y festivales, adaptándose a cada espacio y público. Bajo la dirección de Nelson Díaz, referente de la danza en el país y formador de cientos de bailarines.
El fruto del amor
Teatro títere rompekabezas
Puesta en escena y dirección: Sergio Mercurio
Actor titiritero: Marcelo Cruz R.
Asistencia Técnica:
María Belén Vázquez
Diseño de sonido: Leandro Damián Sabino
Música: Los Nuages
El fruto del amor parte de una idea conocida: la manzana como fruta prohibida y los hijos como fruto del amor. En Machala, esa noción toma otro sentido, pues sus habitantes llaman “fruta del amor” al producto que identifica a la ciudad. Desde ahí, un machaleño y tres títeres recorren historias de cultivo, rechazo y juego, revelando los beneficios y contradicciones de una fruta que Machala exporta al mundo. Con humor, pantomima y la jerga de las plantaciones, la obra rinde homenaje a las y los campesinos y afirma: “en tu casa está Machala”.
La propuesta forma parte del trabajo de Teatro Títeres Rompekabezas, agrupación fundada en 2009 en Machala por Marcelo Cruz, dedicada a la creación e investigación en teatro de títeres y animación, con una amplia circulación nacional e internacional.
Mujer de Cascarón
Noctua
Directora: María Beatriz Vergara
Guion: Simón Domínguez
Adaptación dramatúrgica: María Beatriz Vergara
Elenco: Juliana Jiménez, Daniela Hidalgo,
Ana Belén Eguiguren, Gabriela Gonzaga
Iluminación: Jorge Gutiérrez
Producción: Gabriela Gonzaga Vallejo
Mujer de Cascarón es una obra que aborda el feminismo desde el humor autocrítico y la sátira, reivindicando su sentido histórico, político y social, así como la lucha vigente por el reconocimiento de derechos y capacidades negadas a las mujeres. A través de los personajes de Lucía, Lili y Nora, la puesta en escena plantea tensiones ideológicas y realidades paralelas que invitan a cuestionar las verdades absolutas y el impacto de las ideologías en nuestra forma de pensar.
La obra nace del trabajo de una compañía creada en 2020 por actrices con trayectoria previa en el teatro lojano, provenientes de disciplinas como la psicología, la comunicación y la música. Su propuesta artística se centra en generar debates incómodos pero necesarios, abordando temas sociales y políticos con el humor y la sátira como principales herramientas escénicas.